JEAN PAUL FOREST

PHOTOS

ART CRITIC

"By the style it carries, an archaeological artifact reveals the traditions from which it comes; it shows thinking about the material. It reflects the conventions, customs, a social function and, often, the unconscious values by which its creators lived.
This spiritual index is proper to archaeology: it guides our research by offering us reference points in the human adventure in which the spirit is imposed on the form.
The sculptures of Jean Paul Forest are "read" like an archaeological artifact: we feel the texture, the weight, we appreciate the form, by which the messages are expressed, creating emotions. The brute expression of his style returns to prehistoric creation: the marking of the landscape engenders a dialogue between the artist and nature. Exposed to the cosmos, Paleolithic engraving was abandoned, after the action, for its symbolic value, product of the dialogue between ephemeral man and the enduring rock. After the passage of Jean Paul Forest, nature is discreetly marked, signed, designed, humanized.
Rock can also be transported, dissociated from its origin and rendered more real by its association with wood, water and metal. Shuddering of raw stones, dry and hard gashes, opposition to the soft forms of the cobble: all of this is an affective message, directly sensitive to and the expression of a futile boldness against perpetuity."
Marcel OTTE, Professor of prehistory, University of Liège, Belgium - at the XIV congress of the U.I.S.P.P. - 2001

"One thing can be said from the outset: I have never been able to see the in situ works of Jean Paul Forest... and it is precisely this type of intervention that interests me, more than his mobile sculptures of small or medium format. I speak therefore of a work that I know only from some photographs and what Jean Paul wanted to tell me. An impression of the sublime stays with me.
When the impression gives way to the first reflections, the idea of Marcel Duchamp (again him !) comes to mind, who emphasized that the work of an artist, as brilliant as it may be, can only be fulfilled in the measure that the public has access to it: this has preoccupied people, probably too much, since the beginning of the last century. Like others before him, Jean Paul Forest escapes giving in to this conception of art. His installations are deliberately inaccessible and their discovery is permitted only through plans, notes of intention, designs, films, photographs or videos. And beyond this, there is the strongly poetic idea that there exists - and I can see the image of it - lost in the bottom of a deep valley in Tahiti or along the Pacific shore, sutures of metal that heal the wounds of the Earth.
There remains, I said, an impression of the sublime left not only by the exotic landscapes of Polynesia, but especially by their dialogue with the artistic intervention. The action of man is sensitive and produces meaning, but minute and lost in the obscurity of the forest or the immensity of the powerful, sometimes enraged, ocean. "
Pierre HENRION, curator of the open air museum of sculpture of Sart Tilman, Liège, Belgium - 2001

CLOSING THE IMAGE  on the work of Jean Paul Forest
"In contemporary art, characterised by the search for new expressions, the work of Jean Paul Forest contributes to the revival of questioning the image and its challenges. Within this young plastic artist, there is the awareness of needing to place his approach in the narrow gap between two movements, united since the beginning of the 20th century and particularly after the 1950s in the history of forms. On one hand, there is the frivolous mixing of signs which celebrates the uprooting of Western man and the triumph in art of simulacra on the scene of "pure visibility"; on the other, the tendency, accelerated among the artists and writers of post-colonial societies, to reclaim signs and prints and to appropriate that which is identified as totemic heritage. Forest does not forget that art found its original meaning, its arké, in the distancing of the omnipotence of the Sacred, well before the appearance of local particularities and regional languages. If Lascaux and Altamira, like African caves, offered refuge to the fleetingness of reality, the history of humanity was accomplished outside the Cave, outside the tribal borders and local rituals, towards the meaning and truth that Plato conceived as extraction from convention and the  " theology of order ".
 One would have a quite poor reading of the work of Jean Paul Forest if one remained prisoner of the equivocal " egologic "  of a certain contemporary discourse which aims to  " better arrange  natural resources " . The work of Forest solicits another view, which reminds us above all that images are not at our disposition, like inert material. One must follow the same hazardous and arduous path of the creator in order to discover, in a lava stone calcined by primitive fire or in a stone worn by a tropical river, the suture points of an injury whose meaning remains hidden, in the shelter from the devastating curiosity of our contemporaries. The image does not need to be seen, but to persist, arousing the silence of waiting. Like a recumbent statue on a tomb waiting for a face, this work sends a signal to humanity of the future, which could once again look, that is to say, find another connection to the world in its entirety. "
Riccardo PINERI, University of French Polynesia, for the XXI symposium of Valcamonica - 2004

REFERMER L’IMAGE sur le travail de Jean Paul Forest
"Dans la situation de l’art contemporain, caractérisée par la recherche de nouveaux langages, le travail de Jean Paul Forest contribue à relancer l’interrogation sur l’image et ses enjeux. Il y a chez ce jeune plasticien la conscience de devoir inscrire sa démarche dans la faille étroite entre deux rapports qui se partagent, depuis le début du XXè siècle et notamment après les années 50, l’histoire des formes : d’une part le mélange frivole des signes qui célèbre le déracinement de l’homme occidental  et le triomphe en art des simulacres sur la scène de la « pure visibilité ». D’autre part la tendance, qui s’accélère chez les artistes et les écrivains des sociétés post-coloniales, de revendication des signes et des empreintes, de l’appropriation de ce qui est  conçu comme patrimoine totémique. Forest n’oublie pas que  l’art a trouvé son sens originaire, son arké, dans la mise à distance de la toute puissance du Sacré, bien avant l’apparition de spécificités locales, de langages sectoriels. Si Lascaux et Altamira, comme les grottes africaines, offraient un abri à la fugacité du réel, l’histoire de l’humanité s’accomplit aussi hors de la Caverne, hors de l’enceinte tribale et des rituels locaux, en direction du sens et de la vérité que Platon conçoit comme arrachement à l’habitude et à la “ théologie du propre ”.
Nous aurions une bien mauvaise lecture du travail de Jean Paul Forest si nous restions prisonniers de l’équivoque “ égologique ” d’un certain discours contemporain qui entend disposer “ en mieux  des  ressources de la nature ”. Le travail de Forest sollicite un autre regard, qui rappelle avant tout que les images ne sont pas à notre disposition, comme un matériau inerte. Il faut emprunter le même chemin hasardeux et ardu du créateur pour découvrir dans une pierre de lave calcinée par le feu primitif, dans un rocher lavé par une rivière tropicale les points de suture d’une blessure dont le sens demeure celé, à l’abri de la curiosité dévastatrice de nos contemporains. L’image n’a pas besoin d’être vue, mais de demeurer, suscitant le silence de l’attente. Comme un gisant qui serait en attente de visage, ce travail fait signe vers une humanité à venir, qui puisse à nouveau regarder, c’est-à-dire trouver un autre rapport au monde en son entier.
Riccardo PINERI, Université de la Polynésie française, pour le XXI symposium du Valcamonica - 2004

 "Jean Paul FOREST poursuit une recherche singulière, dans une fidélité constante au geste initial de l’art surgi dans les grottes des mondes anciens au Paléolithique (...). Les “ coutures “ des rochers de Forest dans les vallées polynésiennes, à l’écart des chemins touristiques, ses assemblages de pierre et de bois, introduisent la présence humaine dans la matérialité opaque du monde. Mais le geste de l’artiste n’est pas celui de la technique conquérante : il est en même temps blessure et suture, qui rapelle à l’homme d’aujourd’hui la présence des éléments (terre, air, feu, eau) constitutifs de la réalité, fondements inapparents de toute forme. Contrairement aux sirènes du “ néoprimitivisme “ contemporain, Jean Paul Forest montre que ce qui donne forme et mémoire à ces éléments c’est l’Esprit, un faire qu’en faisant invente le mode de faire."
Riccardo PINERI, professeur de philosophie esthétique à l’université de Montpellier, dans “ L’art en mouvement “ - éd. le Motu - 2005 -

"Le travail de Jean Paul Forest joue sur les sens et la présence. Nulle métaphysique implicite, bien plutôt une hyperphysique évidente. La ligature rappelle le mutisme imposé à la nature et rend visible la violence fondatrice ; elle dit aussi la nécessité de la brisure et celle du lien. Si la forme originelle réapparaît et suscite émotion, c'est en mariant bois de cocotier modelé et éclat de pierre volcanique. L'audace de la liaison est celle de toute hybridation, elle inscrit les inventions de notre humanité dans le jeu des métamorphoses de la nature. Mais elle est aussi éthique : il n'y a que des identités construites.
Ces objets n’offrent pourtant pas au regard toute la dimension de cette  oeuvre : ils ne révèlent pas la mémoire vivante d’une marche et d’une démarche au plus loin et au plus intime de soi, dans les méandres d’une vallée et d’une histoire. Jean Paul Forest ne choisit pas entre l’humain et la nature, il soigne les nœuds de la matière et peut-être ceux de la conscience. S’il décide parfois de marquer des pierres ou des parois hors des sentiers battus, laissées à la surprise de quelques marcheurs intrépides, c’est pour faire violence à la violence : la " brisure " désignée par la suture marque aussi l’articulation, aux charnières bien visibles, par laquelle une fenêtre s’ouvre, offre une perspective inattendue et permet au sujet de renouer avec le monde et avec soi-même."
Bernard Rigo, antropologue, Laboratoire de recherche en sciences humaines de polynésie

" (...)ironique est le travail de Jean Paul Forest (...). Ses œuvres sont des réparations dérisoires en périphérie des traces des bulldozers qui défoncent les vallées reculées de Tahiti: l'artiste prend symboliquement en charge les dégâts de la maîtrise technique et symbolique du territoire. Les blocs de pierre éclatés sont rassemblés, recousus, couturés pour réparer les atteintes du temps et l’action prométhéenne des Hommes . (...) C'est aussi en des termes très gauguiniens qu’il explique son besoin d’isolement et de références à une culture autre que celle que lui a donnée son éducation. Mais comme le peintre, il se sent à Tahiti rattrapé par l’Occident . Son travail sur l’espace terrestre, qui tient du land art, entre en résonance avec le projet de Gauguin (...). Les broches laissées par Forest sur les pierres et les paysages  ne tentent-elles pas de soigner les fractures consécutives au déplacement de Gauguin et de ceux qui, colons et touristes, avant et après lui, délibérément ou malgré eux, ont participé à l'occidentalisation de l’île ? ” 
Jean-François Staszak, maître de conférences à l'Université de la Sorbonne, Paris, dans “Géographies de  Gauguin”, 2003, éditions Bréal, Paris

BIBLIOGRAPHY

né en 1956 en France,  vit et travaille en Polynésie française depuis 1981
born in 1956 in France, lives and works in French Polynesia since 1981

Expositions personnelles - Private exhibitions :

 Expositions et manifestations collectives - Group exhibitions (selection):

Installation permanente - Permanent exhibitions : Relais et Château Michel Bras - Laguiole - France

"Installé en Polynésie à la fin de mes études il y a vingt-cinq ans, j’ai trouvé ici le contrepoids à ma culture d’origine, empêtrée dans sa propre complexité et bourrée de contradictions insolubles. La Polynésie m’a apporté un regard distancié sur la civilisation dont je suis issu, d’une part du fait de concepts différents sur le temps, la mort, le sens de la vie, les relations humaines, la contemplation, et, d’autre part, du fait de l’insularité qui permet de se sentir un peu en dehors du monde géographiquement accessible.
Artiste autodidacte, j’ai beaucoup étudié les textes et œuvres d’artistes passés ou contemporains, car quelle que soit notre créativité, nous n'évoluons qu'à partir des différentes manières de voir le monde que nous  avons pu intégrer. Mon activité professionnelle, la kinésithérapie, est une  recherche fondamentale sur les langages de la matière, ses modes d’expression et nos interactions possibles avec elle. Il s’agit là de notre matière interne et vivante, alors que les arts plastiques disposent de la matière externe et " inerte ". Cette activité me permet également de répondre au premier problème que doit résoudre chaque artiste : est-il possible de soumettre l’art à des contraintes domestiques, en particulier financières ?
L’art est, pour moi, le rapport le plus juste avec le monde, avec les humains, et avec moi-même. C’est mon rapport avec la vie, qui est bien entendu conditionné par une problématique personnelle.
L’instabilité est la règle d’existence de l’univers : tout est éphémère, tout n’est qu’un passage. Ce qui nous apparaît comme équilibre est un lent mouvement entre deux déséquilibres, ceci valant à la fois pour le monde « naturel » et les mondes des humains. L’art me permet de questionner la matière sur ce mouvement continu, de tenter de l'accepter, et d’y trouver une place, sinon un rôle.
L’aventure de l’humanité s’élabore essentiellement à travers ses rapports avec la matière : le regard que nous posons sur notre environnement, les objets que nous inventons et utilisons, sont certes déterminés par notre culture, mais ils vont surtout avoir sur elle un énorme impact évolutif. Tout changement, dans nos rapports techniques ou imaginaires avec la matière qui nous entoure, va induire des bouleversements de ce que nous sommes en tant qu’être humain. Le rôle de l’art est aussi d’explorer sans contrainte fonctionnelle ces influences réciproques et la place que nous pouvons y trouver. Par exemple, la puissance d’invention technologique de l’occident est source de fascination et de désirs pour des cultures moins développées techniquement, mais dont inévitablement « l’âme » sera perturbée par un apport de nouvelles énergies, de nouveaux objets. Il s’agit de tenter d’inventer, à travers de nouveaux rapports avec la matière, une nouvelle compréhension des jeux culturels et sociaux, et donc de soi-même.
D’un point de vue pratique, je travaille autour des phénomènes de morcellement, de recomposition et de réparation. La roche, matériau le plus ancien de la planète et modelé par l’action du temps et des forces naturelles, est mon interlocuteur. Je travaille soit sur des galets prélevés dans une rivière, et ainsi détachés de leur contexte d’origine, soit sur les roches in situ. L’évolution de l’impact que nous avons sur notre monde aujourd’hui, en particulier en Polynésie ces dernières années, m’a conduit à m’interroger non plus sur des fragments de ce monde, mais d’une manière la plus globale possible. L’île joue ici le rôle de modèle réduit de la planète, et les changements culturels et comportementaux des Polynésiens reflètent bien les effets de la mondialisation du mode de vie, auquel toutes les sociétés humaines sont maintenant soumises.
J’utilise beaucoup la couture, car elle crée un lien entre le support et moi, par la minutie et la répétition du geste, par le temps passé, et qu’elle marque la volonté de consolider, réparer, relier. J’interviens souvent avec des outils modernes, électriques ou acier diamanté, car ils laissent une trace très « humaine » dans la matière : précise, prédéterminée, calculée. Je rajoute des matériaux industriels qui correspondent aux préoccupations actuelles, la durabilité, la technicité, la maîtrise. Ou des matières biologiques qui me parlent de fragilité, de tendresse, de provisoire.
C'est ainsi que j'ai été amené à réparer des galets brisés par la rivière avec du bois de cocotier, ou recoudre leurs failles directement sur le site ; à les fragmenter pour les transporter manuellement et les reconstituer ailleurs ; à les morceler et relier leurs éclats par un cable, comme une mémoire de leur état antérieur.
J'ai besoin de rendre hommage à ces mondes en voie de disparition, et qui font partie de ma mythologie personnelle, en y traçant quelques signes humains, si possible poétiques, et cependant précurseurs de l'emprise croissante de la technologie sur la nature et sur nous-mêmes. Avec, sans doute, l'espoir de susciter un jour une attitude alternative.
Mes sources d’intérêt sont essentiellement les relations que les hommes avaient avec la matière avant l’invention de l’écriture. Nos rapports à nous-mêmes et au monde s’exprimaient alors directement à travers cette matière. Mon travail se préoccupe surtout du monde de l’art préhistorique, primitif ou tribal. Le langage plastique ne peut pas être la traduction d’un mode de pensée logique, rationnel, verbal. C’est un système où chaque matière utilisée, chaque geste fait, chaque trace laissée, valent par eux-mêmes, et dans leur langage propre. C’est le rapport réel au monde, le langage verbal n’en est qu’une faible transcription. Il faut autant que possible regarder les choses pour ce qu’elles sont, non pas pour ce qu’elles représentent.
Des « images » signifiantes naissent en confrontant les traces que nous pouvons laisser et les forces réelles du monde. Nous restons minuscules, dérisoires, et éphémères. La lutte de l’occident contre le temps, la mort, les forces naturelles apparaît alors comme vaine, voire ridicule ou stupidement pathétique. La voie est, à mon sens, dans l’acceptation à priori de notre petitesse et de notre fugitivité.
Je ne suis donc pas solidaire du land art américain, qui exprimait de manière monumentale, grâce à l’argent et la technologie, le pouvoir d’un individu. Ni du land art anglo-germanique, plus récent, qui tente entre-autre, à travers des actions provisoires et biodégradables, de renouer entre l'homme et la nature une relation " propre ". L’être humain, produit par la nature, en fait partie et rentre spontanément dans le jeu des modifications permanentes des états de la matière et de ses agencements. À mon sens, il ne pourra ni la dominer ni la laisser intacte. Pour trouver notre place, à nous de savoir quels gestes et quelles traces nous pouvons assumer. Les arts plastiques sont un des moyens essentiels pour explorer cette problématique, et donc nous permettre de trouver un rapport juste avec la vie.
L’intérêt essentiel d’une exposition ou d'une publication est d’offrir à l’artiste un regard distancié par rapport à son parcours, et donc de voir, comme il ne l’avait jamais vu, ses avancées et ses manques. Il ne faut pourtant pas oublier que l'essentiel du travail artistique réside dans l'acte créateur et ne concerne directement que son auteur. L'idée, selon laquelle toute oeuvre implique une relation au public, la réduit à une conception mercantile ou socialement rentable. De nombreux travaux sont exclusivement personnels, et ne sont faits que pour enrichir l'intimité de leur auteur. Il est cependant possible, avec les outils actuels, d'en produire des " objets dérivés " qui seront l'oeuvre finale, destinée à être vue. Mais toute oeuvre, quel que soit son support et les précautions dont on l'entoure, acquière une vie propre dés lors qu'elle est montrée au public. Celui ci va l'interpréter, juger, voir l'utiliser avec assez souvent une inversion totale par rapport aux objectifs initiaux de l'artiste. Monter, c'est livrer une participation à la société : il faut être prêt d'une part à son indifférence, et d'autre part à la trahison des valeurs intimes que l'on a pu dévoiler.
C’est ainsi que j’ai été amené à utiliser photographie et vidéo pour mon travail in situ. Ces traces enfouies dans et pour la nature sont, de fait, non destinées au public, dont la fréquentation détruirait l'esprit du lieu et la nature des oeuvres. Même si des découvertes fortuites peuvent être faites, seules les images de ce travail sont l'oeuvre publique, en ce sens qu’elles expriment qu’il existe, quelque part, quelque chose réalisé en dehors du tissu social, et fait pour être absorbé et dissout par la profusion de la matière et des astres. L’imaginaire que suscite une œuvre est plus important que l’objet lui-même. "
Jean Paul Forest  " L'art en mouvement " ed. Le Motu